福建为什么穷:Xúzhng:《囧妈》之后 我不会再自导自演了

新闻资讯 澎湃新闻记者-王诤 2 浏览

小编导读: 10月11日晚,第七届丝绸之路国际电影节在陕西西安开幕。本届电影节为期6天,包括影片特别推荐、电影展映、电影论坛等活动。12日上午,首场“大师班:电影的初衷是快

10月11日晚,第七届丝绸之路国际电影节在陕西Xi开幕。本届电影节为期6天,包括专题电影推荐、电影放映、电影论坛等活动。12日上午,著名导演Xu zhng应邀出席首届“大师班:电影的最初目的是快乐”的开幕讲座。导演杨紫作为这个大师班的主持人客串了一次。去年他执导的电影《宠爱》在“除夕”取得了6.84亿的好票房成绩。这部电影的制片人是Xu zhng。杨紫介绍说,作为一名演员,丘日清塑造了许多经典角色。“他们大多是小人物,小人物的戏剧成为他的代表风格,深受观众喜爱。”作为导演,他通过从多个角度刻画一些中年人物,探索人与社会的共生关系。他总是能够非常恰当和深刻地刻画人物之间的情感和人与人之间的关系,这是最打动观众的。他的电影屡次创造票房奇迹,近年来,他逐渐把‘系列’打造成特别成功、特别火爆的超级IP。”另据了解,依托丝绸之路国际电影节,大师班已在Xi安成功举办两次。以下是基于Xu zhng导演现场演讲和问答的综合介绍。大师班活动现场,左二为徐峥

大师班活动现场,从左数第二个是Xu zhng

【徐峥口述】蛮享受“命题作文”的每个人都知道电影《我和我的家乡》是命题作文,但我很享受这个过程。短片有短片框,无论是去年《我和我的祖国》里的《夺冠》单元还是今年《最后一课》,让我们作为导演框一个主题——。如果要找一个属于自己的故事,一个属于自己的主题,那是最费力的事情,但这些问题在我们的电影里都不是问题。在采风的过程中,我和编剧讨论了讲什么样的故事。因为是短片,不需要那么多。其实就是个框架。去年的《夺冠》是动作型,因为他要拿天线了(笑)。今年的《最后一课》,就像给一部长篇电影一个梗概一样,有些元素要尽量呈现,这样信息才会密集。我自己也是演员,一直都是从第一人称的角度出发。我也在现场导演和表演。在创作的时候,我的视角更多的是“自省”:从自己的生活中寻找故事,或者说是我所关心的话题,但是在《夺冠》和《最后一课》中,是“看到别人”的视角。我站在旁观者的立场,仿佛在用第三人称讲述他的故事。还有一个老教师,在记忆渐渐消逝的时候,努力寻找过去的感情,完成未完成的心愿。首先,我们通过收风看到的新农村令人震惊。没想到中国最高端的农村发展到这种程度。观众非常害怕说教。一旦你想把你已经想出来的想法呈现给观众,他们会更加叛逆。我觉得家乡的概念比我对这片土地和这里的人的感受更重要。我觉得有很多人生活在国外,他们的家乡对他们来说更深刻,更难忘。拍摄之初,导演们首先提出了“东、西、北、南”的概念。我举手说“东”。我是上海人,对“东方”有点熟悉。去年的《夺冠》,巷子里的生活是我小时候的经历,所以有感觉。《夺冠》单元剧照

《夺冠》单元蒸馏器

公司的一个小伙伴是千岛湖人,他给我传递了很多家乡的信息。我觉得真的很美。中国最美的乡村道路和乡村都在那里。后来实地看到小学,真的是五颜六色。我和摄影师曹禺商量,把画从结局派推到前面作为线索。这幅画出现在影片开头,有点抽象,完全不为人知。在故事发展的过程中,透露出这是过去的希望,也是种子。我想说,电影里的这所学校,是村里的孩子出去学建筑设计,回来为家乡设计建造的。以曹禺的能力和——的水平,一个好的摄影师会非常关注人物和你的故事,会尝试从剧本中寻找一个可以和导演衔接的部分。我们在这方面交流了很多,他确定了整部电影的色彩和影像基调。我们如何得到颜色?我们特别希望每一个镜头都会很阳光,但是拍摄过程中,是南方汛期,一直在下雨。小学拍摄的时候,曹禺做了一大套灯具,一排灯具,每一个都是一个大鹤轮那么大。拍摄时,曹禺说,小心窗帘太近,别烧着了。我出去看看。哦,这么大的灯!太热了,不能走到我面前。所以电影里的阳光总是被打出来,不容易。在表演层面,这部剧有那么多一线演员加盟——。这部电影不用所有的明星当然可以,但是今年的情况很特殊,有疫情,有委屈。没有太多时间和演员做长期磨合和整体训练。寻找明星演员是一个快速的方法。对于这些演员来说,每个人都可以在自己的剧中扮演主角。只有一个真正的主角,魏凡,其他人都是配角。我需要每个人都很快找到人物的感受,聚集在一起,展示群体形象的力量。从电影《我和我的家乡》开始,每一个导演都会考虑尽可能多的聚集一些明星,让整部电影更加吸引眼球。《最后一课》剧照

《最后一课》剧照

刚开始做导演的时候,我并没有像所有年轻导演一样有一个明确的定位,就是我是导演,想表达一部作品。当我刚开始做导演的时候,我是作为一个演员一点一点参与进来的。当我是演员的时候,我不会更注重表演水平。我觉得表演需要一个空间,一个土壤,所有的准备工作和周边都要在一个相对合适的环境下,才能谈你的表演。去现场发现场景都不对,服装和造型都不对。你还玩什么?不能玩。当对演员水平的要求越来越多的时候,就会给我带来一种不满,不然我自己来!自己打理这片沙滩。刚开始做导演的时候,我不在乎看不看显示器。我多放了几部片子就看了显示器。现在越来越愿意留在班长身后。随着电影制作条件的提高,你会发现在后面工作已经来不及了。你需要看到片场所有的人,整个画面,镜头的运动位置等等。去年拍《囧妈》的时候,我说过一句话,我再也不导演,不再演自己了,除非我在里面演了一个很小的角色,还能照顾。以后如果是演戏,我还是更愿意请导演,或者你想在这里拍片,让我来演,我会和前面的导演好好沟通。最多我会去看看所有的演出,和导演商量。这样我作为一个演员就可以集中精力,如果我是导演,我可以在班长后面做。徐峥

徐峥

作为一个年轻的导演,“你的水平、品位是怎样,你出来的东西就是什么样”,作为一个导演,我觉得无论他是和大牌演员合作还是和所有演员合作,即使他是一个跑龙套的或者是一个多余的演员,他也要知道他在那里的样子。我觉得这是导演最重要的工作;第二,在拍摄结束的时候,我们都知道有一个工作叫做混音,就是把所有的音乐和画面揉合在一起,然后做综合调试。对于导演来说,混录需要综合能力,需要你感受音乐的能力,需要你对整个节奏的把握。比如我当舞台剧导演的时候,或者当舞台剧男主角的时候,至少要提前一个星期把剧看完。我不能说还有三天完成这部剧。那不行,也没办法表演。留出的时间越多越好。继续安排,一天一两次,三次以上。导演要做的就是不停地记笔记。当编辑告诉我做一个电影的混合录音时,我们会花很长时间不断的调音,每次都会叫几个人来给观众提供一个视角。最后,混录的节奏,全程,流畅吗?你怎么了?有时候你会发现这个点慢,这个点快,都是问题。所以我觉得最后的关键,包括音乐和整个声音,都会影响到影片的节奏,这一点很重要。因此,对于导演来说,同时理解和提高音乐、审美、表演等是非常重要的。你生产的就是你的水平和品味。作为制片人,我觉得更多的是给导演提供一个全过程的服务现在,市场会让年轻导演焦虑。他要找到投资才能完成作品,他要在作品中体现自己的艺术追求和个人表达。最后,他还要面对市场的考验和拍片后的制作压力。大部分导演都是年轻艺人和艺术家。他们喜欢这个行业,因为他们热爱这个行业。现在,如果他们想面对分配,他们就会挠头。所以这里需要有一个制作人来协调整个工作。其实不是我一个人的工作,而是我整个团队的工作。电影是整个产业链的东西。从你的想法开始,“计算”就开始了。你能拍这部电影吗?你手里有三个故事。应该先拍哪个?对于什么样的人?确定什么样的作息时间?都是“算计”。所谓工业化,应该和各个环节齐头并进。电影拍完之后会涉及到宣传元素,宣传应该早就涉及到了。宣传和发行应该紧密结合在一起,形成你的电影如何向市场展示并获得完整的表现。制作人的工作是帮助导演缓解压力,安排好整个过程。就算全部安排好了,开拍的时候也会出现各种问题。制片人要理解导演的要求,有时候还要说服导演。你能不这么认为吗?如果是这样的话可能会更好。你想让电影变短吗?这种情况时有发生,因为拍电影是一件复杂的事情。艺术的讨论是属于艺术的,但总的来说,最终还是要导演、制片人、制作人达成共识,引导你们朝着共同的目标和方向努力。我看完自己的电影后,会做一系列的问卷调查。你有时会咬牙切齿(大笑),讨厌问卷调查中每个人给出的答案。这么好的地方你觉得不好吗?导演导演电影的时候,就跟自己开车一样。有时他会大发雷霆。他怎么会堵车?会按喇叭,就是有这样的情绪。但是对于一部电影来说,你要克服自己的情绪,你要能彻底改变自己的脑回路。而不是站在你原来预设的视野里,跑到车外看情况。我觉得在这个时代,包括当代导演,都必须有这样的心理承受能力。你得能放弃自己很喜欢的东西,或者换个角度看问题。我们在这样的挫折中成熟和成长。

我也是年轻导演出身。但我觉得有区别也有优势。戏剧学院毕业后,我一直在舞台上摸索,直到从舞台走到影视,从第一次进入影视剧现场到第一次开始做真正的导演,期间在现场的时间太多。如果我拍一部电视剧,比如三四十集的男主角,整部剧基本有900到1000个场景,每天在现场的工作时间都很长,所以要配合各个部门。作为一个男主角,我知道每个部门是怎么运作的那么好,我就站在那里从头到尾看了一遍。那么为什么很多演员转行做导演呢?你会发现他们的成功率很高,因为演员在现场的时间足够长。现在有很多年轻导演,因为剧本是他自己写的,他是个剧作家,不想让别人拍,怕别人毁了,只好自己拍。但是,他在片场的时间太短,去现场就会出现这样那样的问题。我觉得年轻导演去体验现场是很重要的。我拍了《囧妈》。剧组中有一个孩子在纽约大学学习电影。他来到现场做助理导演。我问他上学初期学过什么?他说第一学期就学会了做公告,做计划。我发现他从制作层面告诉你当导演是什么感觉。但我们对传统艺术院校的最初概念是,学艺术站在制高点,要靠很多大师的作品,所以到了制作现场会有很强的落差。我不是说这不好,这是两条完全不同的路。剧本是整个电影制作工作的蓝图。当演员的时候,现场改剧本的经历太多了。当然,这种“改剧本”并不是很多编剧所鄙视的。说你是恶霸,你改我剧本,这种程度不是问题。在大家都能接受的前提下,我和导演讨论了如何表现的更好或者说如何做的更合理。我后来发现,这部作品应该是基础作品,不应该在现场讨论。后来我自己当导演的时候,不喜欢当场改剧本。我觉得你早就应该改剧本了,因为拍摄现场要解决的问题太多,要面对的问题太多。站点是为了得到答案,站点应该只调整技术问题。而真正的表现,人物的感受,这一行怎么说,这些都要在下面提前做好。《囧妈》开拍前,我和饰演我母亲的黄小姐()相处了大约10天,并让排练厅的表演老师把所有的戏都排练一遍。当时我们安排了所有的戏,所有要改的台词当时都改了。这个剧和那个剧怎么演,演员到现场都很清楚,跟着这个就好。在现场,要解决好表演和镜头的关系。《囧妈》剧照

《囧妈》剧照

“我现在很在乎观众离场时的感受”艺术电影非常个性化,作者的属性非常强。应该强调的是一种个人经历和感受。没有办法在本片中做出那种“算计”的策划,就是看你喜不喜欢。比如一个年轻的导演带着一个艺术电影项目来找我。从任何角度来说都没有意义,但是你就是喜欢,喜欢它的气质,从审美角度来说喜欢它的调性,喜欢里面所有的味道,所以我觉得还可以。我们不会给他任何干扰,尽量给他看他想表现的质感,就这样做。如果一部艺术电影本身就很以作者为导向,要么你不认可他的才华,如果你认可了,你也不告诉该怎么做。不然就是不伦不类。艺术电影导演也需要一个制片人,因为艺术电影在最终的发行中有不同的方向。好的制作人不代表我只做生意。当他面对艺术电影时,他也需要知道如何操作它们。即使你去参加比赛,参加Xi丝绸之路国际电影节,这也只是一条不同的路。回顾近三四十年来中国喜剧电影的发展变化?好大的题目,这其实是一首曲目。陈佩斯先生和陈强神父,他们的父亲和儿子。更进一步,像谢晋导演拍的《大李、小李和老李》,上影厂拍的《三毛流浪记》,冯小刚导演近20年的喜剧,包括看香港导演周兴的无厘头喜剧,都是来源于原本的东北方言感觉和表演舞台剧,仿佛喜剧和戏剧表演、舞台表演有一定的关联。麻花funage是东北式的,融合了东北方言喜剧,还有很多周星驰式的废话,各种现代的东西放在一起。宁浩导演拍了一部黑色幽默的喜剧。我发现很难概括整个喜剧的发展。在我看来,所有喜剧都是平行的。我在戏剧学院演舞台剧,毕业后发现自己很喜欢喜剧,因为你只是站在舞台上说了一句负担,然后你马上笑了,然后你会得到瞬间的满足。此外,我认为中国观众非常喜欢看喜剧。当他们嘲笑一部电影时,他们会发现这是值得的。在消费中,娱乐需求占了很大的比重,所以喜剧在中国电影中一直占据着非常重要的地位。我自己可能也老了。我不像以前那么在乎享受观众的笑声,或者说我不满意。你不笑那么多也没关系,因为我知道如果我往那个方向努力,就能让你笑。现在,我关心的是观众离开时的感受。温暖动人吗?我更强调这些。

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